Ficar em casa é, muitas vezes, um refúgio necessário, é onde descansamos, nos sentimos seguros e encontramos um ritmo que faz sentido para nós. O problema começa quando esse conforto se transforma em isolamento e sem perceber, os dias passam iguais, os estímulos diminuem e o mundo lá fora deixa de fazer parte da nossa rotina.

Nós somos seres sociáveis, viver isolado nunca fez parte do comportamento humano, ao longo da evolução humana, sobreviver sempre dependeu da convivência, da cooperação e do pertencimento a um grupo. Relações sociais, encontros casuais e interações do cotidiano ajudam a regular emoções, reduzem o estresse e fortalecem a sensação de conexão com o mundo.

Quando essas experiências desaparecem por muito tempo, o impacto vai além da solidão. Estudos já associam o isolamento social a um maior risco de ansiedade, depressão, declínio cognitivo e doenças cardiovasculares, a própria Organização Mundial da Saúde (OMS) reconhece que a conexão social é um dos fatores importantes para a promoção da saúde e da qualidade de vida.

Pesquisas recentes mostram que uma parcela significativa da população brasileira relata sentimentos frequentes de solidão, mesmo vivendo em cidades grandes. De acordo com a pesquisa da ONG “Family Talks”, 46,2% das mulheres e 35,3% dos homens se sentem sozinhos.

Existe também um efeito mais silencioso do isolamento: a perda de repertório e da criatividade.

Quando passamos muito tempo apenas nos mesmos ambientes, vemos as mesmas coisas, ouvimos as mesmas conversas e seguimos exatamente os mesmos caminhos mentais. Nosso cérebro precisa de novidades para continuar aprendendo, criando conexões e produzindo novas ideias. É por isso que tantas soluções aparecem durante uma caminhada, um passeio, uma viagem, uma conversa inesperada. A criatividade e a motivação nascem de estímulos.

Um café diferente, uma vitrine, uma árvore florida, uma exposição, uma criança brincando na praça, um cachorro correndo atrás de uma bola, uma conversa entre desconhecidos no transporte público, são pequenas cenas que ampliam nosso repertório sem que a gente perceba e cada uma dessas experiências acrescentam referências, desafia certezas e lembra que existe muito mais acontecendo além da nossa rotina.

Ocupar os espaços públicos reforça nossa sensação de pertencimento. Caminhar pelo bairro, frequentar parques, praças, shoppings, restaurantes faz com que a cidade deixe de ser apenas o lugar onde moramos e volte a ser um espaço de convivência. Participar da vida urbana fortalece a percepção de cidadania e nos lembra que fazemos parte de uma comunidade, não apenas de uma única casa. E nós precisamos da sensação da realidade tocando nossa pele.

E não é preciso fazer grandes programas para experimentar esses benefícios, uma simples caminhada já produz mudanças importantes no organismo. A OMS recomenda que adultos pratiquem pelo menos 150 minutos de atividade física moderada por semana, e caminhar é uma das formas mais acessíveis de atingir essa meta. Além de fortalecer o coração, melhorar a circulação e ajudar no controle de diversas doenças, a caminhada também beneficia diretamente o cérebro.

Durante a atividade física, o organismo aumenta a liberação de substâncias como endorfina, serotonina e dopamina, relacionadas à sensação de bem-estar, motivação e regulação do humor, além de reduzir os níveis de cortisol, o hormônio associado ao estresse. Pesquisadores da Universidade Stanford observaram que caminhar pode aumentar significativamente o pensamento criativo, efeito que continua mesmo após o fim da caminhada.

Talvez porque caminhar tem que ser mais do que se deslocar, é preciso prestar atenção no entorno, notar a mudança das estações, descobrir uma rua que nunca havia percorrido, reparar em uma fachada antiga, sentir o vento, ouvir o movimento da cidade e lembrar que existe um mundo inteiro funcionando.

Algumas experiências continuam dependendo da presença, nenhuma tela substitui o acaso de encontrar alguém conhecido na esquina, descobrir um lugar novo ou simplesmente observar a vida acontecendo lá fora.

Por Verônica Lira – Marketing na SMI.

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A estreia de A Odisseia, novo filme de Christopher Nolan, fez um clássico escrito há quase três mil anos voltar ao hype em todo o mundo, o poema de Homero reapareceu nas listas de mais vendidos, ganhou novas edições e despertou a curiosidade de quem decidiu conhecer a obra antes de assistir ao filme nos cinemas. Em meio a esse movimento, uma pergunta começou a aparecer com frequência: afinal, a Odisseia conta toda a história da Guerra de Troia?

Embora a Ilíada e a Odisseia sejam as obras mais conhecidas da literatura grega, elas representam apenas uma parte de uma narrativa muito maior. Durante a Antiguidade, esses poemas integravam o chamado “Ciclo Épico”, um conjunto de oito obras que acompanhava diferentes momentos da Guerra de Troia, desde os acontecimentos que levaram ao conflito até o destino dos principais personagens depois da queda da cidade.

A Ilíada, por exemplo, acompanha apenas algumas semanas do último ano do conflito e concentra sua atenção na disputa entre Aquiles e Agamêmnon, além das consequências dessa rivalidade para os gregos. O famoso cavalo de Troia, uma das imagens mais conhecidas da mitologia, sequer aparece no poema.

Já a Odisseia começa quando a guerra terminou e o foco deixa de ser o campo de batalha para acompanhar a longa viagem de Ulisses de volta à ilha de Ítaca. O percurso, que deveria durar pouco tempo, se transforma em uma jornada de dez anos marcada por tempestades, criaturas mitológicas, intervenções dos deuses e escolhas que colocam o herói à prova. As histórias que ligavam esses acontecimentos eram contadas pelos outros poemas do Ciclo Épico.

Porém, esses outros poemas praticamente “se perderam”, os pesquisadores conhecem essas obras por meio de pequenos fragmentos, citações feitas por escritores antigos e resumos produzidos séculos depois, material que permite reconstruir parte da narrativa, mas está longe de preservar a riqueza dos textos originais. Essa perda também ajuda a explicar por que a Guerra de Troia costuma ser associada apenas a Homero, mas os outros seis poemas do Ciclo Épico são escritos por outros autores.

Como foram justamente os poemas de Homero que atravessaram os séculos, eles acabaram se tornando a principal porta de entrada para um universo narrativo muito mais amplo e nós conhecemos uma das histórias mais influentes da cultura ocidental de forma incompleta, porque boa parte dela simplesmente deixou de existir.

Mesmo assim, a influência desse conjunto de narrativas permanece evidente, a Guerra de Troia atravessou a literatura, inspirou peças de teatro, pinturas, óperas e chegou ao cinema em diferentes momentos. A adaptação de Christopher Nolan é um dos exemplos mais recentes de uma tradição que continua sendo revisitada porque seus personagens ainda discutem temas que permanecem atuais: poder, ambição, honra, vingança e as consequências da guerra para quem sobrevive a ela.

Talvez esse seja um dos aspectos mais interessantes do novo interesse pela Odisseia, o filme pode levar muita gente até Homero, mas também abre espaço para descobrir que a história não termina ali. Mesmo incompleto, esse conjunto continua sendo uma das bases da literatura ocidental e mostra como algumas narrativas conseguem atravessar milênios sem perder a capacidade de despertar novas leituras.

Conheça brevemente os poemas do Ciclo Épico, em ordem cronológica de acontecimentos:

1 – Cypria

O primeiro poema do Ciclo Épico narra os acontecimentos que deram origem à Guerra de Troia. Tudo começa quando Paris, príncipe troiano, escolhe Afrodite como a mais bela entre as deusas do Olimpo e recebe, em troca, o amor de Helena, esposa do rei espartano Menelau. A fuga do casal leva os reis gregos a declarar guerra a Troia. O poema também acompanha os preparativos para o conflito, incluindo o sacrifício de Ifigênia por Agamenon, e os primeiros confrontos que deram início ao cerco da cidade.

2 – Ilíada

A Ilíada acompanha apenas parte do último ano da Guerra de Troia e concentra a narrativa em Aquiles. Depois de romper com Agamenon, o herói abandona a batalha, mas retorna ao combate após a morte de Pátroclo, seu companheiro mais próximo, pelas mãos de Heitor. O poema culmina no duelo entre os dois guerreiros e termina com um dos momentos mais marcantes da obra: o encontro entre Aquiles e Príamo, rei de Troia, que implora pelo corpo do filho para lhe dar um funeral digno.

3 – Etiópida

Dando continuidade aos acontecimentos da Ilíada, o poema apresenta a chegada de novos aliados para defender Troia, entre eles as amazonas, lideradas por Pentesileia, e o exército do rei etíope Mêmnon. Ambos acabam mortos por Aquiles, que também vinga a morte de Antíloco durante os combates. A narrativa atinge seu ponto decisivo com a morte de Aquiles, atingido por uma flecha disparada por Paris, e termina com a disputa entre Odisseu e Ajax pela armadura do maior guerreiro grego.

4 – Pequena Ilíada

O poema narra os acontecimentos que antecedem a queda de Troia e apresenta um dos episódios mais conhecidos da mitologia grega: o Cavalo de Troia. Após a morte de Aquiles, Odisseu vence a disputa pela armadura do herói, levando Ajax a tirar a própria vida. Em seguida, os gregos seguem uma profecia que envolve a estátua da deusa Atena e conseguem retirá-la da cidade. Com a ajuda dos conselhos da própria deusa, constroem o cavalo de madeira e convencem os troianos a levá-lo para dentro dos muros de Troia.

5 – Iliupersis ou O Saque de Troia

É neste poema em que encontramos a queda definitiva de Troia. Depois de decidirem manter o cavalo deixado pelos gregos dentro da cidade, os troianos celebram uma falsa vitória enquanto os soldados escondidos em seu interior abrem os portões para a invasão. A obra descreve a destruição da cidade, a morte do rei Príamo pelas mãos de Neoptólemo e o destino dos sobreviventes após a vitória grega.

6 – Nostoi, ou Retornos

O poema acompanha o retorno de diferentes heróis gregos após a destruição de Troia e mostra as consequências das ações cometidas durante a guerra. Com os deuses contrariados pelo saque da cidade, muitos enfrentam dificuldades no caminho de volta. Entre essas histórias está a de Agamenon, rei de Micenas, que retorna para casa e é assassinado pela própria esposa, Clitemnestra. Anos depois, seu filho Orestes vinga sua morte ao matar a mãe e o amante dela.

7 – A Odisseia

A narrativa acompanha uma das viagens mais famosas da literatura: o encontro com o ciclope Polifemo, a transformação dos companheiros por Circe, a passagem pelos monstros Cila e Caríbdis, os anos preso na ilha de Calipso e o longo caminho de volta para Ítaca.

8 – Telegonia

Uma continuação direta da Odisseia, a Telegonia apresenta um dos episódios mais curiosos do Ciclo Épico. O poema revela que Odisseu teve um filho com a feiticeira Circe, chamado Telégono, que anos depois parte em busca do pai. Sem saber que está diante de Odisseu, ele acaba ferindo o próprio pai com uma lança envenenada. Após descobrir a verdade, leva o corpo de Odisseu para a ilha de Circe, onde a história termina com uma das reviravoltas mais inesperadas da mitologia grega: Penélope se casa com Telégono e Telêmaco com Circe.

Texto adaptado da Super Interessante.

Por Verônica Lira – Marketing na SMI.

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Isso não é só impressão isolada, alguns estudos, como a pesquisa da Inc., que analisam objetos e espaços ao longo do tempo mostram que a variedade de cores em produtos e ambientes vem diminuindo, principalmente desde que a produção em massa virou regra.

Segundo Roberto Verdussen (1978), as cores também podem ser usadas para deixar os ambientes mais agradáveis e aliviar efeitos de contextos menos estimulantes, como a repetição e a monotonia de certas atividades.

Olhando ao redor, carros, geladeiras, celulares, prédios e até mesmo dentro de casa. A maioria parece ter combinado silenciosamente de usar a mesma paleta de branco, preto e cinza. Quando você compara objetos de décadas diferentes, aparece um padrão bem claro: antes tinha mais variação de cores, o vermelho, azul. amarelo, laranja e etc eram muito presentes.

As cores neutras são práticas e funcionam em qualquer mercado, não cansam rápido e reduzem risco de rejeição e em produção em escala, isso conta muito. Junto ao design digital, que precisa ser limpo, legível e consistente, e o resultado aparece no mundo físico também, o que funciona na tela começa a aparecer em objetos, embalagens e até na arquitetura. Em leituras sobre consumo e design, essa busca por “segurança visual” aparece como uma das razões para o mundo ter ficado menos colorido.

Apesar de muitas vezes ser tratada como um detalhe secundário em áreas como arquitetura e engenharia, a escolha das cores de um ambiente tem um impacto direto na forma como ele é percebido pelas pessoas. O uso da cor envolve conhecimentos de psicologia, ergonomia e também aspectos técnicos do espaço construído.

Por isso, definir uma paleta não deveria se basear apenas em estética, mas também em como ela afeta a experiência de quem ocupa o ambiente, já que as cores influenciam o humor, sensações e interferem na forma como o corpo e a mente reagem ao espaço. Um estudo de 2010, publicado na BMC Medical Research Methodology apontou que o cinza costuma ser associado por pacientes a sentimentos ligados à depressão, enquanto o amarelo aparece com frequência como referência de alegria.

Independente dos estudos, muita gente tem a mesma impressão: as coisas parecem menos vibrantes, menos vivas e sem cor. Quando colocamos fotos antigas lado a lado com imagens de hoje, essa sensação fica mais forte.

A cor deixa de estar espalhada no cotidiano e passa a aparecer de forma mais controlada, aplicada em pontos específicos, muitas vezes com função simbólica ou estratégica. Hoje em dia colocar cor nas coisas virou quase como um “toque de autenticidade e personalidade”, e movimentos maximalistas estão tentando crescer entre algumas pessoas, fazendo com que as cores e estampas retornem ao dia a dia de forma mais habitual

Há um movimento cultural recente em que a Geração Z começa a questionar essa estética mais neutra, trazendo de volta o uso de cores mais marcantes (maximalismo) e uma abordagem mais distante do minimalismo. Ao mesmo tempo, escolhas estéticas estão sempre conectadas ao contexto social, econômico e cultural em que surgem, o que significa que cores, formas e até a arquitetura refletem as condições e particularidades de cada lugar.

Em um mundo cada vez mais tomado por tons neutros, vale lembrar que cor não é só estética. Ela também mexe com bem-estar, com a forma como a gente usa os espaços e até com o clima do dia a dia e quando isso entra no pensamento de arquitetura e design, os ambientes deixam de ser só bonitos de olhar e passam a funcionar melhor na prática, ficando mais vivos, mais confortáveis e mais agradáveis de estar.

Por Verônica Lira – Marketing na SMI.

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Nas arquibancadas, o futebol deixa de ser apenas competição e passa a ser linguagem cultural, onde cada país constrói formas próprias de torcer, que refletem hábitos sociais e estilos coletivos. No México, o “wave” transforma o estádio em movimento contínuo. No Japão, a limpeza organizada após os jogos se torna parte da experiência coletiva. Na Holanda, o uso massivo da cor laranja cria uma identidade visual imediata nas ruas e estádios.

Algumas torcidas criam rituais que se tornam marcas do país dentro da competição. Na Copa deste ano, a Noruega ganhou destaque com a “Viking Row”, uma coreografia baseada no gesto de remar em grupo, acompanhada por como “ro”, palavra que significa “remar” em norueguês. O gesto se espalhou para além dos estádios, aparecendo em ruas, estações e em toda a internet, o movimento remete a referências históricas nórdicas e foi criado como uma forma de identidade visual e sonora para a torcida, funcionando quase como uma assinatura nacional.

Além das torcidas, os mascotes também trazem muito da cultura de cada país. Criados pela FIFA, os mascotes juntam referências simbólicas em personagens fáceis de reconhecer e acabam aparecendo em transmissões, produtos e ativações digitais. Ao mesmo tempo, as torcidas também inventam seus próprios personagens e símbolos, mais soltos e improvisados, o que reforça esse lado espontâneo e criativo das arquibancadas.

Essas diferenças fazem com que cada partida tenha uma camada cultural paralela ao jogo. Além, de observar o placar os espectadores observam e se divertem também como cada país se apresenta.

A convivência desses estilos faz da Copa uma espécie de vitrine temporária de diferentes formas de viver em grupo e os estádios passam a reunir, no mesmo espaço, jeitos bem distintos de demonstrar cultura, emoção e identidade.

Nesse contexto, torcidas, mascotes e rituais deixam de ser apenas detalhes, e mostram, na prática, como cada grupo organiza a forma de torcer, sentir e se reunir em coletivo, algo que no dia a dia aparece de maneira mais dispersa.

Por Verônica Lira – Marketing na SMI.

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A nova lista da Time Out com as melhores cidades do mundo para cultura em 2026 mostra exatamente isso, o ranking foi construído a partir da opinião de mais de 24 mil moradores em mais de 150 cidades, junto da avaliação de especialistas e editores culturais da publicação. Entre os critérios analisados estavam qualidade da cena artística, acessibilidade, sensação de comunidade e relevância cultural atual.

Vem conferir essa lista cheia de cidades incríveis que vibram cultura!

Londres

Londres é a top 1 deste ano graças à combinação entre instituições clássicas, acesso gratuito à cultura e renovação constante da cena criativa. Museus como o Victoria & Albert seguem expandindo espaços e formatos, enquanto festivais, exposições imersivas e programações independentes mantêm a cidade em movimento praticamente o ano inteiro.

Paris

Em Paris, tradição e contemporaneidade continuam coexistindo de forma natural, a cidade foi apontada como uma das mais fortes do mundo em oferta de museus e experiências artísticas acessíveis, mas também vem ampliando projetos ligados à arte urbana, instalações temporárias e ocupações culturais espalhadas pelos bairros.

Nova York

NY permanece como uma das capitais culturais mais influentes do mundo. A força da cidade está na diversidade de linguagens: grandes museus, galerias independentes, performances experimentais, shows e espetáculos ao vivo e uma cena criativa que se reinventa constantemente.

Berlim

Berlim é a cidade da experimentação, com forte presença da música eletrônica, festivais alternativos, instituições históricas e um dos principais polos de arte contemporânea da Europa.

Cidade do Cabo

Cape Town aparece no ranking pela força de sua produção artística ligada à identidade africana contemporânea. Museus, galerias e centros culturais vêm ampliando discussões sobre representatividade, memória e produção criativa local, enquanto a cidade consolida seu papel no circuito internacional de arte.

Melbourne

A cultura em Melbourne acontece junto ao dia a dia dos moradores locais, exposições, teatro independente, festivais de música e intervenções urbanas fazem parte da rotina da cidade, que continua sendo vista como uma das cenas criativas mais consistentes da Austrália.

São Paulo

Com uma das cenas culturais mais intensas da América Latina, a cidade combina grandes instituições de arte, eventos internacionais como a SP-Arte, música ao vivo, cinema, arquitetura e uma produção independente que ocupa galerias, ruas e espaços alternativos. Segundo a Time Out, a música é um dos pontos mais fortes da experiência cultural paulistana.

Madrid

A cultura de Madrid circula entre tradição e vida urbana contemporânea, museus históricos convivem com bairros criativos, mercados culturais, festivais e uma cena gastronômica que também participa da identidade cultural da cidade.

Florença

Florença é referência mundial quando o assunto é patrimônio artístico, ao mesmo tempo, a cidade vem buscando equilíbrio entre preservação histórica e novas formas de produção cultural, incluindo design, moda e arte contemporânea.

Cracóvia

A força cultural de Cracóvia está na combinação entre patrimônio histórico, literatura, música clássica e vida universitária. A cidade mantém uma cena artística ativa sem perder o vínculo com sua identidade histórica.

Taipei

Taipei aparece como um dos centros culturais mais interessantes da Ásia atualmente. A cidade combina tecnologia, tradição local, gastronomia, design e uma cena criativa contemporânea que cresce especialmente entre jovens artistas e coletivos independentes.

Marrakech

Arte, arquitetura, artesanato e tradição fazem parte da experiência urbana de Marrakech, nos últimos anos, a cidade também passou a ganhar mais relevância internacional com galerias, feiras de arte e eventos ligados ao design contemporâneo.

Copenhagen

Copenhagen reforça uma visão de cultura ligada à qualidade de vida, design e ocupação urbana. Museus, arquitetura contemporânea, gastronomia e espaços públicos ajudam a construir uma experiência cultural menos concentrada em grandes eventos e mais integrada à cidade.

Guadalajara

A presença de Guadalajara no ranking reflete o crescimento da cidade como polo criativo no México. Música, audiovisual, design e festivais culturais têm ampliado sua projeção internacional nos últimos anos.

Atenas

Atenas é uma das cidades onde passado e presente convivem de forma mais evidente. Além da herança histórica, a capital grega vem fortalecendo uma cena contemporânea ligada à arte experimental, performance e produção independente.

Cairo

A participação de Cairo no ranking acompanha um momento de renovação cultural na cidade, impulsionado pela abertura de novos espaços expositivos e pela expectativa em torno do Grand Egyptian Museum que inaugurou em 2025.

Pequim

Aqui a cidade combina patrimônio histórico, arte contemporânea e inovação cultural em larga escala. Distritos criativos, museus e grandes produções culturais convivem com tradições milenares ainda muito presentes no cotidiano de Pequim.

Jaipur

Em Jaipur, tradição artesanal e produção cultural contemporânea seguem caminhando juntas, sendo destacada internacionalmente pela relevância de sua herança artística, arquitetura e preservação cultural.

Chiang Mai

Chiang Mai se fortaleceu como um centro criativo voltado para arte local, bem-estar, design e experiências culturais mais intimistas. A cidade atrai especialmente públicos interessados em produção artesanal e cenas culturais independentes.

Lisboa

Lisboa fecha o ranking combinando patrimônio histórico, música, gastronomia e uma cena criativa que cresceu rapidamente nos últimos anos. Festivais, galerias, livrarias e espaços híbridos ajudaram a transformar a cidade em um dos principais polos culturais da Europa atualmente.

Texto adaptado da Time Out.

Por Verônica Lira – Marketing na SMI

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Os primeiros registros de pintura labial são de cerca de 5000 a.C., na Suméria. Desde o início, não era só estética. Era uma forma de construção de imagem e de diferenciação. No Egito Antigo, por exemplo, homens e mulheres usavam pigmento nos lábios como marcador de status. Já na Grécia Antiga, o significado muda completamente e o uso passa a ser associado a grupos específicos, com regras sociais bem definidas.

Durante a Idade Média, o cenário fica mais restritivo. A maquiagem começa a ser vista como algo ligado à vaidade excessiva ou até à manipulação, o que faz com que o batom seja rejeitado em vários contextos. Esse tipo de leitura não desaparece de uma vez, mas vai perdendo força conforme o consumo começa a se expandir.

A virada mais importante acontece quando o batom entra na lógica de produto acessível. No final do século XIX, ele passa a ser vendido comercialmente pela Guerlain e deixa de depender de produção caseira, que muitas vezes envolvia ingredientes pouco seguros. Em 1915, a criação do tubo giratório muda completamente o uso: o batom vira algo portátil, fácil de aplicar e de reaplicar e é aqui que ele entra de vez no dia a dia de muitas mulheres.

A partir desse momento, ele começa a acompanhar comportamento de forma mais direta. Nos anos 1910, aparece como símbolo do movimento sufragista, décadas depois, durante a Segunda Guerra, continua sendo usado mesmo em um cenário de restrição, porque ajudava a manter uma sensação de normalidade no dia a dia, ou seja, ele se adapta em momentos difíceis. E isso ajuda a entender um padrão que aparece sempre que a economia aperta.

O protagonismo do batom vermelho não aconteceu por acaso. Ele se consolidou ao longo do tempo por uma combinação de fatores que se reforçam. A cor naturalmente chama atenção e se destaca no rosto com facilidade. Existe também um histórico cultural, já que por muito tempo essa cor esteve associada a poder, visibilidade e posição social. E, mais pra frente, a indústria do cinema ajudou a fixar essa preferência. Em filmes em preto e branco, tons mais intensos funcionavam melhor na tela, e o vermelho acabou se tornando a referência estética mais marcante.

Em períodos de crise, o consumo não desaparece, mas muda de formato, em vez de cortar tudo, as pessoas começam a fazer trocas mais específicas. Elas adiam decisões maiores — como viagens, eletrônicos ou mudanças de padrão de vida — e passam a priorizar pequenas compras que ainda entregam sensação de controle, cuidado ou recompensa.

É nesse contexto que surge o chamado lipstick effect.

O termo ganhou força nos anos 2000, quando o mercado de beleza percebeu que, mesmo em cenários de retração, as vendas de cosméticos não acompanhavam a queda de outras categorias e, em alguns casos, até cresciam. Mas o comportamento já tinha sido observado antes, especialmente após a crise de 1929.

O ponto mais relevante aqui não é o batom em si, nem a ideia de um “indicador econômico”, mas a lógica por trás disso. Em momentos de incerteza, o consumo não para, ele se reorganiza. No caso do batom, ele se encaixa bem por motivos práticos: tem um custo relativamente baixo, não exige muito esforço de decisão e entrega uma mudança perceptível na hora. É uma compra simples, com resultado claro, em um cenário onde outras decisões parecem mais difíceis de tomar.

E isso não acontece só com maquiagem. Em diferentes momentos, esse papel já foi ocupado por outros produtos acessíveis, como skincare, fragrâncias ou até pequenos hábitos de consumo no dia a dia. O produto muda, mas o padrão se repete: quando o cenário aperta, o consumo se ajusta.

Ao mesmo tempo, o próprio batom segue acompanhando mudanças culturais. Já foi mais marcado, mais discreto, mais neutro, mais exagerado. Nos últimos anos, perdeu espaço para uma estética mais natural, focada em skincare e aparência “limpa”. Agora, começa a voltar com mais presença de cor, acompanhando um movimento que valoriza mais expressão do que perfeição.

No fim, o batom continua relevante porque consegue funcionar em várias camadas ao mesmo tempo. Ele responde à tendência, ao contexto econômico e também a uma necessidade prática de quem usa. Hoje, pode até parecer só mais um item da rotina, mas ele carrega camadas que vão além da estética. O que muda é o contexto, não a presença.

É por isso que ele nunca sai de cena. Ele não depende de um único significado para continuar existindo, ele só se ajusta ao momento.

Por Verônica Lira – Marketing Coordinator na SMI

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Esse deslocamento altera a dinâmica da rua. A circulação, que seria livre, passa a ser conduzida. O pedestre desvia, desacelera, ajusta o trajeto. O corpo responde ao espaço e olhar também. Cada vitrine funciona como um ponto de atenção que interrompe o fluxo contínuo do caminhar em automático e cria pausas entre as calçadas.

Na Kurfürstendamm, esse efeito se intensifica pela repetição. Ao longo da avenida, vitrines destacam peças simples, como meias e roupas, organizadas de forma cenográfica. Elementos de madeira, molduras e iluminação direcionada constroem uma narrativa visual. O produto deixa de ser apenas funcional porque passa a ser apresentado dentro de um contexto. A luz isola, enquadra e valoriza e a rua vira uma sequência de estímulos.

Em Bolzano, na Via dei Portici, a lógica se mantém, mesmo em uma escala urbana menor. A vitrine ganha autonomia em relação à loja, sai da fachada, ocupa o passeio e cria uma zona intermediária. O pedestre não entra no ponto de venda, mas já está imerso na linguagem da marca e a exposição antecipa a experiência, seja ela de conhecimento, compra ou pertencimento. Esse tipo de configuração amplia o papel da vitrine, organizando o espaço e influenciando o comportamento de quem passa por ali. Induzindo pequenas pausas, direcionando o olhar e condicionando o ritmo.

Do ponto de vista da cultura material, há uma mudança relevante. Produtos cotidianos passam a ser tratados como objetos de contemplação. O uso de caixas transparentes, iluminação precisa e composição cuidadosa aproxima a lógica comercial de uma lógica expositiva, fazendo com que a vitrine assuma características de curadoria.

Esse movimento também traz implicações. Ao ocupar a calçada, o comércio interfere diretamente em um espaço que, em princípio, é de circulação pública e a experiência urbana se torna mais visualmente estimulante porque há mais informação e mais apelo estético. Em contrapartida, torna-se mais orientada pelo consumo, fazendo com que o percurso deixe de ser neutro, e passe a ser mediado por estímulos comerciais. Na prática, a loja deixa de ser um ponto fixo.

Por Igor Romeu – CMCO na SMI.

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Existe uma ideia quase universal de que o Japão é zen, minimalista, organizado, quase sussurrado. E essa imagem não é mentira. No metrô, o silêncio é quase uma norma moral. As pessoas falam baixo, muitas nem falam. Há placas pedindo para evitar ligações telefônicas. Você sente no corpo quando sua voz ultrapassa o volume coletivo permitido. Eu mesmo me policiava o tempo todo. O silêncio não é imposto com rigidez, mas ele é socialmente regulado. É um acordo daquela sociedade.

Mas então você sai da estação e a cidade explode em informação. Em bairros como Shinjuku ou Asakusa, as fachadas são camadas sobre camadas de comunicação. Telas de LED, placas verticais, tipografias sobrepostas, mascotes, promoções piscando, setas apontando para todos os lados. Não existe vazio. O olhar não descansa. Ele é capturado o tempo inteiro.

E o mais curioso é que, mesmo nesse cenário visualmente ensurdecedor, o comportamento continua contido. Quase ninguém grita. As pessoas andam, consomem, esperam o semáforo abrir, entram e saem de lojas em silêncio considerável. Quando alguém fala alto demais, você percebe na hora. O som destoa do ambiente. E, quase sempre, é alguém de fora. Um grupo de turistas rindo alto, uma conversa mais expansiva que quebra a harmonia invisível do espaço. O contraste fica evidente.

É como se Tóquio tivesse feito uma escolha cultural muito clara: o excesso pode existir, mas ele será visual. A intensidade está nas cores, nas luzes, na informação gráfica, não na voz.

Dentro da famosa Don Quijote (foto acima), isso se radicaliza. A loja é um labirinto de estímulos: cartazes fluorescentes escritos à mão, mascotes repetidos, produtos empilhados até o teto, jingles tocando em looping. É uma sobrecarga pensada. Tudo ali compete pela sua atenção. E, ainda assim, as pessoas circulam sem gritar, sem discutir preços em voz alta, sem transformar o espaço em ruído social. O caos é gráfico, não é comportamental.

Comecei a perceber que talvez não seja uma contradição entre o Japão zen e a Tóquio saturada. Talvez seja uma redistribuição da intensidade. O silêncio sonoro cria espaço para o grito visual. A disciplina coletiva permite que a comunicação seja exuberante sem virar desordem.

Tóquio não é uma cidade tranquila. Ela é acelerada, densa, vibrante, competitiva. O que muda é onde essa energia se manifesta. Em vez de se espalhar pelo volume das vozes, ela se concentra na imagem, na luz, na informação constante. A cidade pulsa, mas pulsa em LED. Ela não sussurra, ela pisca, anuncia, repete, insiste. E, mesmo assim, mantém um código silencioso entre as pessoas que a atravessam.

Talvez seja esse o verdadeiro equilíbrio de Tóquio: uma metrópole que grita com os olhos e se controla com a voz.

Por Igor Romeu – CMCO na SMI.

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O que mais toca não é apenas a reconstrução histórica ou a fotografia melancólica, mas a maneira como o filme mostra o poder do teatro de transformar uma dor íntima em experiência coletiva.

A cena da imagem acima marca profundamente e foi ela que despertou essa reflexão. Durante a estreia da peça “Hamlet”, vemos a plateia acompanhando a encenação, entre eles Agnes, ainda atravessada pela memória do filho perdido. Em um momento específico, ela estica a mão em direção ao ator no palco. O gesto não parece ensaiado nem simbólico demais; é quase instintivo, como se ela tentasse tocar a própria dor materializada diante dela.

Em seguida, outras pessoas na plateia também começam a estender as mãos. Não porque conheçam a história pessoal de Shakespeare, mas porque se reconhecem naquela emoção. A dor que nasceu de uma experiência íntima deixa de pertencer apenas ao autor ou àquela mãe e passa a circular entre todos ali. O que era individual se torna compartilhado.

Essa imagem faz pensar muito sobre o que a arte faz conosco. A gente costuma acreditar que o que sente é exclusivamente seu. Que a tristeza, a perda, a culpa ou o amor são experiências isoladas, quase privadas demais para serem compreendidas. Mas quando essas emoções ganham forma, seja em palavras, em cena ou em silêncio, elas encontram eco. A psicanálise trata sobre isso: o afeto só se organiza quando encontra simbolização. Quando algo é representado, ele deixa de ser puro caos interno e passa a ter contorno.

No filme, o teatro aparece exatamente dessa forma. Shakespeare não sobe ao palco para explicar sua dor ou falar diretamente sobre o filho que perdeu. Ele escreve uma tragédia. E é dentro da ficção que aquilo que parecia impossível de dizer ganha forma. A dor encontra linguagem. O público, ao assistir, não está consumindo a biografia de um autor, mas se reconhecendo em emoções que também carrega. Talvez nem todos ali tenham vivido a perda de um filho, mas todos já perderam alguém ou alguma coisa. É aí que a arte acontece de verdade: não quando reproduz um fato, mas quando desperta algo que já estava dentro de quem assiste.

A cena das mãos estendidas deixa isso muito claro. A emoção não sai do palco e atinge a plateia de maneira linear. Ela circula. O ator interpreta, Agnes reage, o público percebe a reação dela e, quase sem perceber, cria-se uma corrente silenciosa de identificação. Não é exagero coletivo, não é dramatização compartilhada. É reconhecimento. Cada pessoa sente à sua maneira, porque emoção nunca é idêntica, mas existe um campo comum que se forma. Um espaço onde experiências individuais se encontram.

Saímos do filme pensando que talvez essa seja a força mais potente do teatro. Ele pega algo que parece íntimo demais, quase impossível de dividir, e transforma em algo compartilhável ali, ao vivo na frente do público, em um momento de conexão que jamais acontecerá de novo, pois o teatro é instante.

Hamnet nos toca porque mostra que a arte não cura o sofrimento, mas dá contorno a ele. Ela organiza o que está confuso, cria uma ponte entre o que eu sinto sozinho e o que nós sentimos juntos. Talvez seja por isso que, séculos depois, ainda nos conectamos com Shakespeare. Não porque conhecemos todos os detalhes de sua vida, mas porque, em suas histórias, encontramos ecos da nossa própria.

Por Igor Romeu – CMCO na SMI.

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Diante da Pumpkin de Yayoi Kusama, instalada no píer sobre o Mar Interior de Seto, observei algo que se repetia: aproximação silenciosa, fotografia, afastamento lento. Diferente de outros contextos turísticos mais ruidosos, ali havia uma espécie de autocontenção coletiva. Mesmo sendo uma obra altamente “instagramável”, as pessoas mantinham distância respeitosa, aguardavam sua vez sem disputa de espaço e raramente tocavam na estrutura. O comportamento parecia coreografado por normas implícitas de civilidade japonesa, onde o espaço público é compartilhado com disciplina quase intuitiva.

A obra, pequena diante da vastidão do mar, produzia um efeito de contemplação que ia além do objeto artístico. Muitos visitantes permaneciam alguns minutos apenas olhando o horizonte após fotografar a escultura. A Pumpkin funcionava como
mediadora entre indivíduo e paisagem. A repetição obsessiva das bolinhas, marca de Kusama, contrastava com a irregularidade infinita da água. Ali, a arte não interrompia a natureza, ela organizava o olhar sobre ela.

No Benesse House Museum, projetado por Tadao Ando, a experiência social se transformava. O ambiente interno, climatizado, produzia um visível relaxamento do corpo. Ombros antes tensos pelo calor se soltavam. O ritmo desacelerava. Percebi que os visitantes caminhavam mais devagar do que em museus urbanos. Havia menos conversas paralelas, menos uso ostensivo de celulares, mais permanência diante das obras.

A arquitetura do museu não precisa explicar nada, ela faz você sentir. Os corredores mais fechados quase te comprimem por alguns segundos e, de repente, o espaço se abre para o mar como se alguém tivesse puxado uma cortina gigante. A luz não entra de qualquer jeito, ela é pensada. Tem hora que você está numa penumbra silenciosa, tem hora que o azul lá fora invade tudo. Eu percebi que comecei a andar mais devagar sem nem notar. Não tem placa gritando informação, não tem excesso, não tem distração. O prédio te desacelera. Você naturalmente baixa o tom de voz, guarda o celular e simplesmente olha.

E no meio dessa experiência toda, o restaurante do museu foi quase uma extensão da obra. Depois de horas andando no calor, sentar ali foi um respiro. A vista para o mar continua presente, como se a paisagem nunca deixasse de participar. A comida era delicada, precisa, linda sem ser exagerada — muito alinhada com a estética do lugar. Não era só uma pausa para comer, era parte da imersão. Eu saí com a sensação de que até o almoço fazia parte da curadoria daquele dia.

Foi inevitável não pensar em Inhotim enquanto caminhava por Naoshima. Nos dois lugares, a arte não está presa a paredes, ela se espalha pelo território e obriga você a se deslocar, a suar, a caminhar, a realmente atravessar o espaço. Mas a energia é diferente.

Em Inhotim, a experiência costuma ser mais coletiva, talvez mais “brasileiro”. As pessoas comentam em voz alta, trocam impressões, tiram fotos juntas, riem, discutem a obra ali mesmo. Já em Naoshima, eu sentia outra vibração. As pessoas falavam baixo, muitas vezes nem falavam. Permaneciam mais tempo em silêncio diante das obras. Era quase meditativo. Não diria que é uma regra explícita, mas um código compartilhado.

E isso me fez perceber que o modelo pode ser parecido, arte integrada à paisagem com deslocamento físico e imersão, mas o modo de viver essa experiência muda completamente de acordo com a cultura. Quando vi obras de Yayoi Kusama ali,
lembrei imediatamente de tê-las visto também em Inhotim. A artista é a mesma, a linguagem visual é a mesma, mas a atmosfera ao redor transforma tudo.

Em Naoshima, a obra parecia ser absorvida pelo silêncio coletivo, quase internalizada. Em Inhotim, ela ganha voz, comentário, troca. A arte circula globalmente, mas a forma de senti-la continua profundamente local. E estar nos dois lugares me fez enxergar isso com muita clareza.

O que Naoshima evidencia é que a arte, quando integrada à paisagem, produz uma reorganização social do espaço. O visitante não é apenas espectador, ele é conduzido por uma arquitetura que molda comportamentos e por uma cultura que regula
expressões. O calor extremo daquele dia intensificou essa percepção. A busca por sombra, por interioridade, por pausa, tornou mais visível a relação e entre corpo, ambiente e estética.

Assim, a ilha funciona como um microcosmo onde natureza, arquitetura e arte contemporânea constroem um sistema simbólico coerente. Não se trata apenas de expor obras, mas de estruturar uma forma específica de experiência cultural. Naoshima não apresenta somente arte, ela ensina como habitá-la.

Por Igor Romeu – CMCO na SMI.

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